MATTE PAINTING

¿Quién no ha visto alguna vez Matte painting?

Seguramente que todos vosotros lo habéis visto variedad de veces en cientos de películas (Mago de Oz, Avatar, El señor de los anillos...etc), pero no nos percatamos por un lado a falta de información y por otro lado que la técnica se basa en parecer algo más de lo que realmente es.

El Matte painting es una representación pintada de un entorno paisajístico, que permite a los cineastas crear un abmiente ficticio o que sería demasiado costoso o imposible construir o visitar para filmar.

Esta técnica apareció más de 100 años cuando el esplandor del cine necesitaba culiminar más variedad de escenarios y fondos y como solución buscaron ilustradores que los dibujaran para integrarlos en los films, así ahorraban tanto en localizaciones como económicamente, pudiendo hacer volar su imaginación por menos precio.

Fue evolucionando paralelamente con las nuevas tecnologías, y con la ayuda de ordenadores se llegó a crear escenas cada vez más realistas, hasta alcanzar el retoque fotográfico por ordenador naciendo así los ilustradores digitales de Matte painting, usando todo tipo de artes para crear sus fondos.

En mi opinión, es de gran importancia, y dada la evolución día tras día de las nuevas tecnologías, la interacción de la pintura y el cine, plasmar cosas que no existen, escenarios ficticios como un camino u otra alternativa para potenciar la imaginación sin coartar sus límites.

Además hacer referencia a la ignorancia que mostramos la mayoría de las veces, hacia algo que observamos a menudo, y no somos capaces de investigar de dónde viene, cómo se hace o qué es, esperando a que ora persona más indagadora nos lo muestre. Por lo tanto debemos fomentar la curiosidad y buscar nuestras propias explicaciones. Pues como dice Gerry Spence:

"Prefiero que mi mente se abra movida por la curiosidad que se cierre movida por la convicción".

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

Las Vanguardias son los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX, como una auténtica revolución de las artes plásticas. Casi todos los países desarrollados industrialmente reivindicaban el presente rompiendo con los estilos del pasado. Un cúmulo de circunstancias son las que dieron lugar a las vanguardias, como son la aceptación de las nuevas tecnologías y la agitación social.

Desde mi punto de vista, sobre todo en pintura y escultura, las vanguardias son más una actitud frente al arte que una estética, que abandona el academicismo y la imitación de la naturaleza para centrarse en el lenguaje de colores y formas como elementos principales, es decir, una nueva reconstrucción de lo que consideraban como obra de arte, que exige que adoptemos una nueva actitud hacia la obra. Son estilos que caracterizan a grupos de artistas, ya no es algo a nivel internacional.

Los miembros de las vanguardias se unen en grupos según el movimiento al que pertenezcan, que tienen en común el mostrar su independencia y rebeldía frente al arte oficial muy valorado por una burguesía conservadora.

Opino que lo que quieren es aprovechar los descubrimientos científicos para aplicarlos a sus obras; por ejemplo, los fauvistas aplican las teorías sobre el color que los impresionistas iniciaron. Gracias a la etnología y el descubrimiento más a fondo sobre otras culturas dan lugar a que el expresionismo incorpore rasgos de culturas primitivas.

Los surrealistas parten de las teorías del psicoanálisis para ejecutar las imágenes del subconsciente y los sueños. A partir de la teoría de la relatividad, los cubistas llegaron al descubrimiento de la cuarta dimensión.En definitiva, casi todos utilizaban los conocimientos y las nuevas técnicas para aplicarlas en sus obras.

Es importante mencionar que las vanguardias evolucionan más rápidamente que el entendimiento del público para comprenderlas, por lo tanto, el espectador necesitaría una preparación previa para poder decodificar los mensajes que el artista plasma en sus obras. Si los espectadores no son capaces de descifrar ese mensaje, no pueden valorar las obras porque no las entienden.Al ser grupos independientes, los artistas funcionan  por la oferta y la demanda, galerías, coleccionistas, críticos, alejados de las academias y gremios del arte clásico.

Como conclusión, el arte de las vanguardias del S.XX, lograron abrir las fronteras del arte en un momento en que parecía estar estancado. Nada parece tener límites para considerar algo como una obra de arte, ya que era un momento de experimentación y nuevas técnicas artísticas. Esto supuso que la expresividad y lo multidisciplinar fueran las bases de las vanguardias. Aunque hoy día parece que volvemos a las expresiones tradicionales pero sin despreciar la experimentación de este momento.

Dentro de las muchas vanguardias artísticas que existen, me he querido centrar en el expresionismo abstracto por ser el movimiento de la más pura expresión del sentimiento, del impuso emotivo. Es un momento de libertad, de mirar hacia el pasado, de buscar en sí mismos como seres humanos.

Sudor de Artista

El artista ejerce menos control sobre la creación del cuadro utilizando instrumentos diferentes al cincel, donde la pintura se extiende hasta los límites en telas de gran formato que atrapan al espectador. Existen varias técnicas como Action Painting, algo fortuito; Dripping, chorreo de la pintura.

                                                                 

Considero que se basan en arquetipos universales de manera inconsciente expresando el estado psíquico del artista a través de armonías cromáticas.

El padre de este movimiento es Jackson Pollock y las influencia derivan de las composiciones de Kandissky, la pintura automática de André Masson o la filosofía de Jean-Paul-Sartre de “ser es hacer”.

En conclusión, lo más importante no es el cuadro resultante sino el acto físico de pintar, una total libertad frente al lienzo donde la mente se expresa de forma directa, fortuita, espontánea, sin que tengan que haber ninguna relación figurativa.

Esto lleva a muchas personas a cometer errores pensando que es inferior y fácil, pero esto no es cierto, ya que el expresionismo abstracto tienen sus propias técnicas para el control de la pintura tras años de experimentación. Lo importante es la intención, ya que tratan de lograr las condiciones adecuadas para una experiencia de estado alterado de la conciencia a través de la expresión creativa que se aleja de a representación de lo real. La imagen es la intención de comunicar emociones pensamientos y sentimientos.

“El artista moderno está trabajando con el espacio y el tiempo, y expresar sus sentimientos en lugar de ilustrarlos”. Jackson Pollock

CHEMA MADOZ, ¿Fotógrafo o escultor?

"Me sigo considerando fotógrafo. La construcción de la mayoría de mis objetos está resuelta de mala manera… Bueno, me explico, quiero decir que están construidos para ser fotografiados. No tienen empaque, ni una presencia cuando los ves físicamente. No hay un acabado maravilloso, solo un aspecto de ellos que vas a fotografiar es lo que funciona. Sacados de ese contexto funcionan en contadas ocasiones. Alguna vez también me ha ocurrido lo contrario: un objeto que es muy atractivo y que no funciona al ser fotografiado. Sin embargo, lo normal es justo el caso contrario."

El atractivo de su obra es su mayor dificultad, ya que consigue imágenes muy poderosas a partir de objetos cotidianos que colocados de cierta manera o con alguna trasformación, producen efectos que nos sorprenden.

Desde mi punto de vista podría considerarse como un poeta visual por su forma de crear metáforas combinando objetos. Además, es un artista que no necesita la tecnología para hacer sus montajes, son objetos que ocupan su lugar dentro de la realidad, ya que el engaño con un poco de detenimiento se puede descubrir.

Opino que con ello consigue generar un juego con el espectador para que pueda formular sus propias interpretaciones de lo que ve.

Como conclusión, considero que es fotógrafo ya que su finalidad es fotografiar las composiciones que realiza a las que se las considera esculturas. Sin embargo, un artista de escultura efímera que luego realiza fotografías para constatar su obra, no se le puede considerar fotógrafo porque esa fotografía que realiza es documentalista, su arte dura lo que dura la obra.

RETÓRICA VISUAL

La retórica visual no es algo actual sino que surgió en la antigüedad como el arte de convencer cuyo objetivo principal es persuadir mediante la utilización del lenguaje de la imagen de manera efectiva.

Desde mi punto de vista, consiste en hacer poesía utilizando la imagen en sustitución de la palabra. Crea un juego de ambigüedad con las imágenes para poder trasmitir dos mensajes en uno, dirigido a un público activo que tiene que descifrarlo. Cosiste en utilizar iconos muy representativos de ciertos elementos como texto, imagen y sonido o resaltar aspectos de la realidad, que combinados entre sí de una forma inteligente consiguen sorprendernos. Es un juego de figuras literarias de la poesía convertidas en imágenes.

Es sorprendente como una sola imagen nos puede convencer de algo sin que lo percibamos de manera consciente, el cómo consiguen atraer nuestra atención provocando un deseo o necesidad por la adquisición de algo, aunque a veces se hace un mal uso de ello como es el caso de la publicidad sexista. De esa difusión mediática se encargan los medios masivos de comunicación que hacen que lo veamos en todas partes. Todo esto al fin y al cabo son las estrategias que la publicidad usa para llamar nuestra atención jugando con nuestras emociones, sentimientos y valores.

Estamos saturados de imágenes constantemente pero la retórica visual nos sorprende en la medida de que son cosas que no existen en la realidad, es un choque visual ver como dos elementos son sacados de sus contextos para crear otro nuevo fuera de nuestra realidad.

Considero interesante el hecho de que la retórica visual quiere decir algo pero de una manera novedosa que refuerza al texto dotándole de una mayor convicción. No hay una única explicación para lo que vemos, hay varias interpretaciones de las cuales nosotros interpretamos unas cuantas, pero siempre tienen la pretensión de generar conductas a partir de nuestras emociones.

Lo que se quiere comunicar podría decirse sin ninguna figura, presentando el producto como tal, pero no sería tan efectivo a diferencia de la retórica que alterar el uso normal del lenguaje visual.

En conclusión, los anuncios de retorica visual pueden captar nuestra atención de diferentes maneras como son la razón, emoción o moral, el público lo decodifica y lo interpreta según capacidades culturales, adquisiciones sociales, experiencias previas, estados anímicos etc, que aseguran que el mensaje llegue al receptor y produzcan impacto.

Lo importante es que aprendamos a ver y que nos demos cuesta que lo que vemos es el resultado de una operación compleja.

“La publicidad nos vende algo más que artículos de consumo; al proporcionarnos una estructura en la que nosotros y esos artículos somos intercambiables, nos vende a nosotros mismos”. Saborit

¿EL ARTE ES PUBLICIDAD? O... ¿LA PUBLICIDAD ES ARTE?

El arte no es publicidad porque su función es estética a diferencia de la publicidad que es puramente comercial, pero es cierto que entre ambos lenguajes hay vinculaciones, ya que a lo largo de este siglo, hay algunos movimientos artísticos que utilizan recursos de la publicidad, siendo un claro ejemplo de ello los artistas del Popart como Andy Warhol, pero también en la publicidad podemos encontrar ejemplos de carteles que se acercan en su plasticidad al arte. 

En mi opinión, el arte para considerarlo como tal, debe ser algo libre, mientras que la publicidad es un instrumento de venta al servicio de un empresario. Es decir, un diseño publicitario tienen que pasar por una serie de filtros antes de ser exhibidos como son las necesidades de los clientes, las comerciales y sobre todo el interés empresarial.

La publicidad es una técnica poderosa que siempre manipula la conducta a través de imágenes que persuaden y seducen, aunque no sabemos si es cierto lo que dicen al 100% porque no podemos comprobarlo. La publicidad ha sabido aprovechar las emociones que nos produce contemplar una obra de arte, tanto pintura, música, etc, para unos objetivos concretos.

Debido a que el mundo se mueve por el dinero, considero importante que la imaginación y sobre todo la sensibilidad se eduquen para que actuemos como seres humanos y no como empresarios.

Los empresarios saben que para poder vender sus productos necesitan una publicidad creativa para llamar la atención del comprador, porque saben que el producto o su información técnica, por sí solas no trasmiten ni seducen a nadie.

Nos encontramos en el mejor momento de la imagen, de la fotografía, donde las cosas son más bellas que en la realidad y lo único que nos preocupa es el mundo físico, donde el cuerpo lo es todo y el alma no vale nada. Es una realidad desvirtuada la que la publicidad nos quiere vender. Todo lo que la publicidad nos muestra del mundo físico es para intentar vender un producto, por ejemplo, la imagen de un desierto para vendernos un refresco o los cuerpos humanos para vendernos ropa, mientras que el arte los utiliza para valorarlos en sí mismos por lo que son.

Desde mi punto de vista, la publicidad y el arte no son lo mismo, utilizan las mismas técnicas y su objetivo común es atraer la atención, pero su fin es bien distinto; el arte comunicar un concepto y la publicidad vender un producto. La publicidad no es arte porque para ello tendría que poder representar a la humanidad y solo habla en nombre de la industria. Lo que tendríamos que conseguir es que coincidieran los intereses empresariales con los humanos.

Considero que la relación que existe entre el arte y la publicidad irá creciendo en los próximos años, confundiéndose entre sí, y para que no desaparezca el arte, éste tendrá que cambiar su entorno y salir de los museos a la calle.

Como conclusión, opino que ya que la publicidad posee tanta influencia en las personas y nuestra manera de actuar, debería ser más sensible hacía ciertas cuestiones que afectan peligrosamente a la sociedad: la alteración del clima, el deterioro del medio ambiente, el envenenamiento del agua, el aire y la tierra, los cementerios nucleares o basura industriales, la estética del cuerpo, etc, ¿por qué no la podríamos utilizar para unos fines más ecológicos y saludables? ¿por qué engañar siempre?

TERRORES VISUALES "ESTO NO SON LAS TORRES GEMELAS"

Me ha resultado muy interesante este fragmento del libro, en la medida de que nos hace ver las cosas de una manera crítica, razonando las cosas que recibimos visualmente y no quedarnos en el mero concepto de lo que parece que es y que nos obligan a adoptar diferentes posiciones de manera inconsciente. A pesar de que estamos en el siglo de la imagen, hay pocos sitios donde podemos aprender a leer lo que vemos, es decir, una alfabetización social.

La autora, María Acaso, hace una clasificación de los terrores visuales que podemos tener; los miedos del cuerpo humano, los de clase social y bienes materiales y los conceptos culturales, que generan industria, ya que esos miedos se pueden evitar con la compra de un producto o servicio. Los miedos se expanden a través de los mass media y quedan arraigados en nuestra cultura. Hay grupos que se dedican a lo contrario pero con las mismas armas como es la contra-publicidad. Desarrolla conceptos relacionados con la lectura de imágenes sobre todo de los mensajes televisivos e introduce unos nuevos como son las imágenes de mofa o de exaltación.

Desde mi punto de vista, nos está  mostrando un sistema de control mediante el uso del miedo que difunden los medios de comunicación a los que llama Terrorismo de imagen. Nos muestra un esquema para enseñarlos a leer las imágenes antes de consumirlas. Miedos de los que habitualmente ni siquiera somos conscientes pero que dominan muchos aspectos de nuestra vida.

Me ha resultado muy interesante el nombre del libro, ya que te introduce directamente en el tema; lo que vemos en la portada no son las torres gemelas, sino una representación visual de ellas porque ya no existen.

Una imagen es un sistema de representación a través del lenguaje visual, no es real, y la cultura visual es el conjunto de representaciones visuales que dan significado al mundo en el que nos encontramos en la actualidad porque difiere del de hace unos años. Para que nosotros podamos reconocer una representación visual tiene que tener una serie de características.

En mi opinión, el terrorismo visual es igual a la televisión que vemos a diario que nos hace desear cosas que no tenemos o no somos para incitar al consumismo de productos o servicios, quiere que no pensemos por nosotros mismos. No solo nos vende algo o nos entretiene con cosas absurdas, sino que crea una serie de comportamientos e ideales de estilo de vida que debemos adoptar como algo necesario, es decir, que utilizan estereotipos trasmitidos a través del lenguaje visual para producir una serie de deseos en el espectador.

En la televisión se suele confiar ciegamente a pesar de que es una selección interesada de lo que es real muy fácil de manipular. Un ejemplo de ello y refiriéndome al título del libro, todos pensamos que hemos visto derrumbarse las torres gemelas en el atentado pero solo hemos visto unas ciertas imágenes sobre ello.

Como conclusión, recomiendo la lectura de este libro porque además de lo que cuenta (porque pocas personas se atreven a hablar de ciertos temas), es fácil de leer ya que aporta muchos ejemplos que ayudan a la compresión en cada uno de los apartados. Invita al lector a sospechar de lo que ve y  analizar de una manera crítica las imágenes y los tópicos con que los medios nos bombardean a diario.  Es importante que no nos dejemos manipular por las intenciones de las empresas de publicidad cuyo único objetivo es vender sin percatarse del daño que pueden ocasionar a la sociedad en muchos de sus ámbitos.

ELEMENTOS MORFOLÓGICOS DE LA IMAGEN

Dentro de este tema me ha llamado la atención el hecho de cómo percibimos visualmente, es decir, que por medio de los sentidos recibimos información de entrada y de salida donde esta información pasa por una serie de interpretaciones subjetivas que es diferente para cada persona. A través de la percepción hemos generado un alfabeto visual que nos permite analizar las imágenes que recibimos de nuestro entorno.

Respecto a los elementos básicos de la alfabetización visual, destacan el punto, la línea, el contorno, la dirección, tono, color, textura y escala, de los que hablaré posteriormente.

El punto es un elemento mínimo e indivisible, que si prestamos atención podemos encontrarlo en la naturaleza y cuando se juntan entre sí pueden dirigir nuestra mirada o crear ilusiones de tono y color. Por tanto sería una superficie reconocible por el ojo humano como unidad de toda expresión plástica. Me ha llamado la atención la pintura puntillista, porque en ella se puede apreciar perfectamente cómo se componen las imágenes, de puntos, y dependiendo de la cantidad, colocación y más factores vemos la imagen.

La línea es un punto en movimiento, es decir que cuando trazamos una línea lo que queda registrado es el movimiento de ese punto. Por lo tanto cuando los puntos están tan próximos que no podemos diferenciarlos se convierten en una línea. Por ejemplo; cuando el extremo de un lápiz entra en contacto con el papel deja visible una línea recta con el desplazamiento de la mano. Se pueden encontrar tanto en la naturaleza como en lo construido por el ser humano como carreteras, edificios, etc, y dependiendo de cómo sea esa línea puede expresar unas cosas u otras. Tiene un valor expresivo y compositivo a la hora de crear volúmenes y espacios, definir contornos, perspectivas, etc.

Las formas en el plano se definen por el contorno, interior y relleno, que pueden ser geométricas, orgánicas, etc  para componer, expresar, simbolizar… Pueden ser figurativas o abstractas según el grado de iconicidad, es decir, cuanto más se parezcan al objeto. Estas formas se pueden componer de miles de maneras para lograr llamar la atención.

La textura es la que más olvidada tenemos, damos menos importancia al tacto que al sentido visual que es por donde recibimos la mayoría de las cosas. La textura es el aspecto, las características de nuestra obra como soporte o el mismo material puede tener textura. Ha sido muy utilizada a la hora de hacer collages donde se puede mezclar con otros elementos morfológicos.

Opino que es un elemento visual que también actúa con otro como es el tacto, y en realidad la podemos apreciar mediante el tacto, la vista o ambas. También puede que sea una textura solo visual como las líneas de una página impresa.

Desde mi punto de vista nos debería servir como una experiencia sensitiva y enriquecedora, pero por conducta social estamos acostumbrados a no tocar las cosas, por ejemplo cuando aparecen avisos de no tocar en las tiendas, pero incluso también estamos limitados en no tocar a las personas porque tendemos a relacionarlo con una actitud sensual. Todo esto nos lleva a tener una experiencia táctil mínima.

Considero que todos estos elementos son la clave y la base para poder construir cualquier imagen, o expresión mediante su uso razonado, para saber la intención que se quiere expresar. Por ejemplo una línea vertical provoca y crea un dinamismo, mientras que una línea horizontal sugiere equilibrio y estabilidad.

En mi opinión esto podría relacionarse con el cine, en el sentido de que no queremos decir lo mismo cuando alteramos los planos de lugar. La composición de las cosas es la base para que adquiera el significado que le queramos dar, porque si variamos tan solo una cosa, puede cambiar completamente el significado de lo que queremos trasmitir.

Como conclusión, estamos en una sociedad dominada por el mundo de la imagen desde los diferentes soportes tecnológicos donde los signos de comunicación escrita pasan a formar parte de la gráfica. Estas imágenes tienen un lenguaje que trasmiten mensajes y constituyen la cultura y los valores de nuestra sociedad, por lo que es muy importante saberla decodificar, ya que por ejemplo hoy día, los alumnos aprenden a ver imágenes antes que leer o escribir, ya que están habituados a verlas y consumirlas. Por lo tanto, la imagen se podría utilizar como instrumento pedagógico que desarrolla una didáctica particular, como futuros maestros, ya que si no, no existe una capacidad crítica cuando se carece de códigos para leer los mensajes.

EL COLOR

Es  uno de los elementos de la morfología visual, que vemos gracias a la luz, ya que en la oscuridad todos los objetos aparecen negros.

La luz es la base de todo, la forma de energía que representa las radiaciones con unas longitudes de onda que son visibles para el ojo humano, formando lo que llamamos  la gama de colores o espectro visible.

Me resulta muy interesante el saber que el color es una sensación que solo existe en el cerebro y no es una realidad física de los objetos como podríamos pensar. Su realidad física la constituyen las ondas de luz que absorben o reflejan los objetos según las características de los pigmentos de que está compuesto. Cuando esa luz llega a nuestra retina, es percibida por las células fotosensibles como son los conos del color y los bastones de la luminosidad, para después ser enviadas al cerebro que decodificará la información.

Newton descubrió que haciendo pasar la luz blanca por un prisma triangular se obtiene la descomposición de la luz en colores dando lugar al arco iris o espectro.

Desde mi punto de vista, en nuestra vida percibimos la realidad a color por lo que es un aspecto esencial del mundo físico. Nos acerca más a la verdadera naturaleza de los objetos dándonos información sobre ellos. Tiene una parte estética de significados convencionales, una determinada imagen social que amplia y modifica el valor de una imagen, como son por ejemplo, los productos comerciales, símbolos,  imágenes etc.

Es algo que está al alcance de todos, gracias al cual todo adquiere vida, que nos puede servir para entretenernos o como fines artísticos como hemos podido comprobar a lo largo de toda la historia del arte. Por tanto, de toda la información visual que recibimos a través de todos los soportes que están a nuestro alrededor, un alto  porcentaje es color.

Pienso que el color también puede hablar de nuestra personalidad según las preferencias de cada uno, a la hora de vestir por ejemplo. Por lo tanto trasmite emociones ya que hay colores alegres o vivos y otros tristes y apagados.

El color actúa sobre los gustos, emociones o la manera de ser de cada persona, por lo que al incluirlo en las imágenes amplia los recursos de los creadores. Pero el efecto emocional del color suele ser abstracto y poco perceptible. Aunque existen símbolos y convenciones culturales, la apreciación del color no puede estandarizarse.

Podríamos decir que cuando vemos un color nos afecta en varios sentidos: llama nuestra atención, expresa un significado provocando una emoción y posee un significado propio, como un símbolo capaz de comunicar una idea.

Es cierto que hay una seria de leyes para su correcta utilización como es el caso de las cualidades térmicas por ejemplo, donde hay un calor del color. Los colores fríos suben pesan menos, un ejemplo sería la perspectiva aérea que utiliza Leonardo Da Vinci en sus cuadros que tienden a marcar distancia o lejanía  y los cálidos que son más estimulantes, densos o cercanos.

Como conclusión, el color es un atributo de la percepción visual humana que fue muy utilizado por los pintores a lo largo de la historia siendo los primeros en establecer las mezclas de los colores. En este caso, el color actúa de manera subjetiva, los pintores se ven en la necesidad de utilizar los colores como un medio de expresión de sentimientos, de motivar los estados de ánimo e incluso de despertar la atención de las emociones. Por lo tanto, el color es fuente de información que debemos aprender a manejar bien para que nuestro mensaje llegue lo más claro posible y en definitiva, es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en común.

VER Y OÍR UNA IMAGEN

Se trata de un proyecto enmarcado por Aurelia Sanz, en el cual se presenta una experiencia con el fin de enseñar a analizar una imagen.

Con este proyecto, el profesor adquiere los conocimientos necesarios para enseñar a los alumnos a analizar de qué manera la imagen audiovisual de la tv, cine, videojuegos, etc, influye en cómo vemos nuestra realidad. Nos muestra una serie de herramientas de interpretación del entorno que permite que los alumnos puedan adoptar una posición activa de manera crítica cuando reciben una imagen así como acompañarla de un sonido determinante, debido a que vivimos en el siglo de la imagen.

Lo importante no es solo aprender a descodificar el mensaje de la imagen, sino también analizar el proceso de producción y que ha querido expresar con ello.

Esto puede ser provechoso no solo para hacer una valoración de los grandes aportes en nuestra sociedad de las nuevas tecnologías sino también para poder desentrañar los mensajes publicitarios que recibimos día a día a través de los diferentes medios de comunicación, siendo partícipes de nuestra propia valoración sobre lo que realmente han querido transferir, y no ser tan ineptos de captar lo que los anunciantes quieren que percibamos y logren así su propósito.

Para finalizar, recomendar prácticas como estas, sobre todo en el ámbito educativo, que ayuden a activar la reflexión de los alumnos, y así sean competentes mediante una actitud más crítica ante la sociedad y las vivencias del día tras día, pues la capacidad de razonar es una característica que distingue a los seres humanos, y hoy en día se está coartando la posibilidad de su puesta en práctica en las aulas educativas y como consecuencia cohibir el conocimiento y desarrollo personal de los niños y niñas. Pues como dice Paulo Freire:

 “Los hombres no se hacen en el silencio, sino en la palabra, en el trabajo, en la acción, en la reflexión”.

MUSEO DA2 (Salamanca)

Es un museo de arte contemporáneo edificado sobre la antigua cárcel de Salamanca, que fue reformado y habilitado para proyectar exposiciones, conciertos y manifestaciones artísticas de todo tipo.

Me ha llamado la atención la nueva exposición del DA2, llamada “De madona a Madona, (DE) construcciones de lo femenino en la sociedad contemporánea”, donde de la mano de varios artistas, podemos ver la evolución del rol de la mujer a lo largo de la historia. Es interesante ver como la imagen de la mujer ha cambiado tanto desde sus inicios desde una postura más recatada, religiosa y pasiva, hasta nuestros días donde aparecen con connotaciones de juventud, éxito, sensualidad, etc, debido al exceso de su imagen en nuestra sociedad. Las obras hablan de una mujer activa, moderna y trasgresora que se abre camino con mucha fuerza en nuestra sociedad, tanto a nivel religioso, político, económico y cultural.

Desde mi punto de vista las obras te hacen reflexionar de una manera crítica sobre la idea de la mujer como un objeto sumisa al hombre, o la posición de la mujer en la sociedad determinada en muchos lugares por la religión, que acotan su posición a meras cuidadoras y amas de casa.

Otra de las cosas que más me han llamado la atención es el canon de belleza tan marcado de esta sociedad de consumo,  que esclaviza y remplaza la idea de mujer como madre, a medida que las mujeres obtienen mayores libertades, derechos e igualdades. Hay reflexiones acerca de la escasa participación de la mujer en el arte a lo largo de la historia e incluso hoy día.

Dejando de lado los estereotipos, hay artistas que prefieren analizar el propio espacio intimo como ser de la mujer, el ser y sentir como mujer.

Como conclusión, la exposición nos plantea la historia de la mujer y cómo se ha ido adaptado a su tiempo a pesar de todas las dificultades que ha pasado por el simple hecho de ser mujer.

Para finalizar, recomendar la visita a este museo gratuito para contemplar las diferentes exposiciones que inagura, siendo en muchas ocasiones una herramienta útil para acercar a la sociedad al arte contemporáneo y sin duda a la educación.

Fotos realizadas en el museo del Da2.

PERSONAJE IMAGINARIO

Toda creación de algo necesita primero una idea para después materializarla utilizando dibujos o bocetos. Al crear personajes imaginarios lo primero que se nos viene a la cabeza son los dibujos de los niños, esa manera espontánea de plasmar algo que imaginan. Para ello, utilizan las formas básicas y el dibujo.

Hay una serie de técnicas que utilizamos como son el plano y sus interacciones que podemos ver a nuestro alrededor, como son el contacto, distanciamiento, transparencia, superposición, intersección, sustrac-ción, unión o penetración. Estas técnicas me llevan a pensar en la Teoría de la Gestalt, que se ocupa de estudiar la percepción visual para poder entender las actitudes y conductas de los seres humanos ante las imágenes que nos rodean.

La ciencia ficción o fantasía propone ideas que nos implican emocionalmente teniendo en cuenta nuestro propios temores. Uno de los recursos de nuestra inventiva es la fusión o trasformación de una cosa a otra, como por ejemplo en la mitología.

Para inventar un personaje tiene que surgir de manera espontánea, aunque luego lo vamos adaptando según vamos creciendo. El problema es que nuestra cultura no asume lo imaginario, sino que lo relaciona con lo infantil o lo paranoico, dejándonos sin el recurso de lo fantástico, aún sabiendo que un personaje inventado no podría existir en la vida real.

El personaje inventado logrado es el que adquiere más peso que el de su propio autor. Este personaje puede vivir todo lo que el autor no ha vivido o le gustaría debido a que la vida real le limita.

Lo imaginario no responde a ninguna obediencia, puede crearse de todo; desde los más monstruosos a los más tiernos. En esencia, el crear un personaje es para satisfacción inmediata, ya que lo que no se puede conseguir en la realidad se consigue en lo imaginario.

Opino que el inventar un personaje no es algo de los libros, sino que antes ya lo hacían los niños para divertirse. Por ello, la imaginación es algo esencial del ser humano, una parte inseparable, es una necesidad primaria desde nuestros inicios.

Desde mi punto de vista, necesitamos ver y leer ficción que nos permitan evadirnos y entretenernos fuera del límite de nuestro propio cuerpo y la razón.

Para crear un personaje, lo primero que hay que tener en cuenta es que sea carismático, que pueda agradar a los demás. Para ello, hay que elegir unas cualidades, cómo te gustaría que fuera, valiente, fuerte, despistado, etc, y después añadir algo de nuestra propia personalidad.

El personaje evolucionará según le vamos dando rasgos que lo identifiquen, además  tiene que estar lo suficientemente desarrollado como para responder a ¿Quién es?, ¿cómo se llama?, ¿Cuántos años tiene?, ¿está casado?, ¿qué estudios tiene?, etc, esto sirve a ayudar a definir su personalidad. Lo importante es que el público lo vea como algo creíble y coherente.

Como conclusión, después del largo proceso de creación, al fin y al cabo lo importante es que el personaje sea capaz de expresar algo, que tenga personalidad. Por ejemplo,  las locuciones y sonidos de los personajes una vez llevados a pantalla, son muy importantes como es el caso de Wally, ya que al ser personajes motorizados, el sonido tiene que ser algo característico con lo que se identifique el personaje.