sábado, 27 de abril de 2013

EL COLOR



Es  uno de los elementos de la morfología visual, que vemos gracias a la luz, ya que en la oscuridad todos los objetos aparecen negros.

La luz es la base de todo, la forma de energía que representa las radiaciones con unas longitudes de onda que son visibles para el ojo humano, formando lo que llamamos  la gama de colores o espectro visible.

Me resulta muy interesante el saber que el color es una sensación que solo existe en el cerebro y no es una realidad física de los objetos como podríamos pensar. Su realidad física la constituyen las ondas de luz que absorben o reflejan los objetos según las características de los pigmentos de que está compuesto. Cuando esa luz llega a nuestra retina, es percibida por las células fotosensibles como son los conos del color y los bastones de la luminosidad, para después ser enviadas al cerebro que decodificará la información.

Newton descubrió que haciendo pasar la luz blanca por un prisma triangular se obtiene la descomposición de la luz en colores dando lugar al arco iris o espectro.

Desde mi punto de vista, en nuestra vida percibimos la realidad a color por lo que es un aspecto esencial del mundo físico. Nos acerca más a la verdadera naturaleza de los objetos dándonos información sobre ellos. Tiene una parte estética de significados convencionales, una determinada imagen social que amplia y modifica el valor de una imagen, como son por ejemplo, los productos comerciales, símbolos,  imágenes etc.

Es algo que está al alcance de todos, gracias al cual todo adquiere vida, que nos puede servir para entretenernos o como fines artísticos como hemos podido comprobar a lo largo de toda la historia del arte. Por tanto, de toda la información visual que recibimos a través de todos los soportes que están a nuestro alrededor, un alto  porcentaje es color.

Pienso que el color también puede hablar de nuestra personalidad según las preferencias de cada uno, a la hora de vestir por ejemplo. Por lo tanto trasmite emociones ya que hay colores alegres o vivos y otros tristes y apagados.

El color actúa sobre los gustos, emociones o la manera de ser de cada persona, por lo que al incluirlo en las imágenes amplia los recursos de los creadores. Pero el efecto emocional del color suele ser abstracto y poco perceptible. Aunque existen símbolos y convenciones culturales, la apreciación del color no puede estandarizarse.

Podríamos decir que cuando vemos un color nos afecta en varios sentidos: llama nuestra atención, expresa un significado provocando una emoción y posee un significado propio, como un símbolo capaz de comunicar una idea.

Es cierto que hay una seria de leyes para su correcta utilización como es el caso de las cualidades térmicas por ejemplo, donde hay un calor del color. Los colores fríos suben pesan menos, un ejemplo sería la perspectiva aérea que utiliza Leonardo Da Vinci en sus cuadros que tienden a marcar distancia o lejanía  y los cálidos que son más estimulantes, densos o cercanos.

Como conclusión, el color es un atributo de la percepción visual humana que fue muy utilizado por los pintores a lo largo de la historia siendo los primeros en establecer las mezclas de los colores. En este caso, el color actúa de manera subjetiva, los pintores se ven en la necesidad de utilizar los colores como un medio de expresión de sentimientos, de motivar los estados de ánimo e incluso de despertar la atención de las emociones. Por lo tanto, el color es fuente de información que debemos aprender a manejar bien para que nuestro mensaje llegue lo más claro posible y en definitiva, es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos tenemos en común.

lunes, 15 de abril de 2013

VER Y OÍR UNA IMAGEN


Se trata de un proyecto enmarcado por Aurelia Sanz, en el cual se presenta una experiencia con el fin de enseñar a analizar una imagen.

Con este proyecto, el profesor adquiere los conocimientos necesarios para enseñar a los alumnos a analizar de qué manera la imagen audiovisual de la tv, cine, videojuegos, etc, influye en cómo vemos nuestra realidad. Nos muestra una serie de herramientas de interpretación del entorno que permite que los alumnos puedan adoptar una posición activa de manera crítica cuando reciben una imagen así como acompañarla de un sonido determinante, debido a que vivimos en el siglo de la imagen.


Lo importante no es solo aprender a descodificar el mensaje de la imagen, sino también analizar el proceso de producción y que ha querido expresar con ello.

Esto puede ser provechoso no solo para hacer una valoración de los grandes aportes en nuestra sociedad de las nuevas tecnologías sino también para poder desentrañar los mensajes publicitarios que recibimos día a día a través de los diferentes medios de comunicación, siendo partícipes de nuestra propia valoración sobre lo que realmente han querido transferir, y no ser tan ineptos de captar lo que los anunciantes quieren que percibamos y logren así su propósito.

Para finalizar, recomendar prácticas como estas, sobre todo en el ámbito educativo, que ayuden a activar la reflexión de los alumnos, y así sean competentes mediante una actitud más crítica ante la sociedad y las vivencias del día tras día, pues la capacidad de razonar es una característica que distingue a los seres humanos, y hoy en día se está coartando la posibilidad de su puesta en práctica en las aulas educativas y como consecuencia cohibir el conocimiento y desarrollo personal de los niños y niñas. Pues como dice Paulo Freire:

 “Los hombres no se hacen en el silencio, sino en la palabra, en el trabajo, en la acción, en la reflexión”.

domingo, 14 de abril de 2013

MUSEO DA2 (Salamanca)


Es un museo de arte contemporáneo edificado sobre la antigua cárcel de Salamanca, que fue reformado y habilitado para proyectar exposiciones, conciertos y manifestaciones artísticas de todo tipo.

Me ha llamado la atención la nueva exposición del DA2, llamada “De madona a Madona, (DE) construcciones de lo femenino en la sociedad contemporánea”, donde de la mano de varios artistas, podemos ver la evolución del rol de la mujer a lo largo de la historia. Es interesante ver como la imagen de la mujer ha cambiado tanto desde sus inicios desde una postura más recatada, religiosa y pasiva, hasta nuestros días donde aparecen con connotaciones de juventud, éxito, sensualidad, etc, debido al exceso de su imagen en nuestra sociedad. Las obras hablan de una mujer activa, moderna y trasgresora que se abre camino con mucha fuerza en nuestra sociedad, tanto a nivel religioso, político, económico y cultural.

Desde mi punto de vista las obras te hacen reflexionar de una manera crítica sobre la idea de la mujer como un objeto sumisa al hombre, o la posición de la mujer en la sociedad determinada en muchos lugares por la religión, que acotan su posición a meras cuidadoras y amas de casa.

Otra de las cosas que más me han llamado la atención es el canon de belleza tan marcado de esta sociedad de consumo,  que esclaviza y remplaza la idea de mujer como madre, a medida que las mujeres obtienen mayores libertades, derechos e igualdades. Hay reflexiones acerca de la escasa participación de la mujer en el arte a lo largo de la historia e incluso hoy día.

Dejando de lado los estereotipos, hay artistas que prefieren analizar el propio espacio intimo como ser de la mujer, el ser y sentir como mujer.

Como conclusión, la exposición nos plantea la historia de la mujer y cómo se ha ido adaptado a su tiempo a pesar de todas las dificultades que ha pasado por el simple hecho de ser mujer.

Para finalizar, recomendar la visita a este museo gratuito para contemplar las diferentes exposiciones que inagura, siendo en muchas ocasiones una herramienta útil para acercar a la sociedad al arte contemporáneo y sin duda a la educación.


Fotos realizadas en el museo del Da2.


lunes, 8 de abril de 2013

PERSONAJE IMAGINARIO



Toda creación de algo necesita primero una idea para después materializarla utilizando dibujos o bocetos. Al crear personajes imaginarios lo primero que se nos viene a la cabeza son los dibujos de los niños, esa manera espontánea de plasmar algo que imaginan. Para ello, utilizan las formas básicas y el dibujo.


Hay una serie de técnicas que utilizamos como son el plano y sus interacciones que podemos ver a nuestro alrededor, como son el contacto, distanciamiento, transparencia, superposición, intersección, sustrac-ción, unión o penetración. Estas técnicas me llevan a pensar en la Teoría de la Gestalt, que se ocupa de estudiar la percepción visual para poder entender las actitudes y conductas de los seres humanos ante las imágenes que nos rodean.

La ciencia ficción o fantasía propone ideas que nos implican emocionalmente teniendo en cuenta nuestro propios temores. Uno de los recursos de nuestra inventiva es la fusión o trasformación de una cosa a otra, como por ejemplo en la mitología.

Para inventar un personaje tiene que surgir de manera espontánea, aunque luego lo vamos adaptando según vamos creciendo. El problema es que nuestra cultura no asume lo imaginario, sino que lo relaciona con lo infantil o lo paranoico, dejándonos sin el recurso de lo fantástico, aún sabiendo que un personaje inventado no podría existir en la vida real.
El personaje inventado logrado es el que adquiere más peso que el de su propio autor. Este personaje puede vivir todo lo que el autor no ha vivido o le gustaría debido a que la vida real le limita.

Lo imaginario no responde a ninguna obediencia, puede crearse de todo; desde los más monstruosos a los más tiernos. En esencia, el crear un personaje es para satisfacción inmediata, ya que lo que no se puede conseguir en la realidad se consigue en lo imaginario.
Opino que el inventar un personaje no es algo de los libros, sino que antes ya lo hacían los niños para divertirse. Por ello, la imaginación es algo esencial del ser humano, una parte inseparable, es una necesidad primaria desde nuestros inicios.

Desde mi punto de vista, necesitamos ver y leer ficción que nos permitan evadirnos y entretenernos fuera del límite de nuestro propio cuerpo y la razón.
Para crear un personaje, lo primero que hay que tener en cuenta es que sea carismático, que pueda agradar a los demás. Para ello, hay que elegir unas cualidades, cómo te gustaría que fuera, valiente, fuerte, despistado, etc, y después añadir algo de nuestra propia personalidad.

El personaje evolucionará según le vamos dando rasgos que lo identifiquen, además  tiene que estar lo suficientemente desarrollado como para responder a ¿Quién es?, ¿cómo se llama?, ¿Cuántos años tiene?, ¿está casado?, ¿qué estudios tiene?, etc, esto sirve a ayudar a definir su personalidad. Lo importante es que el público lo vea como algo creíble y coherente.

Como conclusión, después del largo proceso de creación, al fin y al cabo lo importante es que el personaje sea capaz de expresar algo, que tenga personalidad. Por ejemplo,  las locuciones y sonidos de los personajes una vez llevados a pantalla, son muy importantes como es el caso de Wally, ya que al ser personajes motorizados, el sonido tiene que ser algo característico con lo que se identifique el personaje.

miércoles, 3 de abril de 2013

GROSZ GEORGE METROPOLIS 1916




Es una obra del artista George Grosz realizada entre 1916-1917, es un óleo sobre lienzo que mide 100 x 102 cm y se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid).

Desde el punto de vista formal, aparece representada una ciudad abarrotada de elementos característicos de ésta como edificios, tiendas, trenes urbanos que parecen pasar a toda velocidad, calles, y sobre todo una multitud de personas que rellenan hasta el último centímetro del lienzo que acentúa la sensación de horror vacui. Los edificios son geométricos y desnudos, como muestra de las penurias de la guerra. Las figuras aparecen desordenadas de una forma caótica y en posición de movimiento, con actitudes y expresiones fantasmales. Figuras deshumanizadas y satirizadas, rostros desfigurados que parecen espantados.

Aparecen representadas dos calles que confluyen con multitud de gente que van en la misma dirección. En la unión de las calles, en la parte inferior del cuadro, ambos grupos se entrecruzan y siguen su camino a paso rápido, aunque en primer término da la impresión de que los cuerpos se funden. Las caricaturas crueles de los personajes del primer término se van desvaneciendo en anónimas a medida que nos adentramos en el cuadro.

Hay que resaltar la falta de correspondencia de los tamaños de las figuras que parece ser intencionado, donde la figura central de mayor tamaño podría ser la muerte siendo una hipótesis que se consolida con la representación de los coches fúnebres.

El espacio se define por una perspectiva oblicua alejada de la clásica. El edificio del hotel está colocado en esquina formando la fuga oblicua hacia la izquierda y derecha. Es decir, que la imagen mezcla dos puntos de vista diferentes, siendo otra de las influencias del cubismo junto con la planitud de algunos personajes y en la geometría de la composición. Las farolas y luces de los edificios aparecen encendidas por lo que se trata de una escena nocturna.

Los colores son densos y saturados con utilización del azul, verde y una clara dominante de una paleta de colores terrosos y rojizos. Aparecen tipografías de rótulos concretos de edificios como hoteles, cafeterías, bares, etc.

Desde el punto de vista simbólico es una pintura de estilo expresionista que plasma la  metáfora de una sociedad que tiene como finalidad su propia destrucción, siendo una plasmación de los horrores que el artista había vivido. Hay una notable influencia del futurismo italiano en la forma de plasmar su mundo con una aceleración de la vida urbana dándole un toque fatalista. La trasformación de la ciudad urbana aparece reflejada en su propio título, que muestra los constantes y rápidos cambios, materializándose en perspectivas forzadas y superposición de figuras. Refleja la inseguridad producida en su país y el toda Europa durante la primera guerra mundial.

La atmósfera apocalíptica se consigue gracias al sol ardiente y rojo (símbolo de sangre) que aparece representado en la parte superior y las acusadas líneas de fuga y la velocidad de figuras y coches que acentúan la tensión.

En la parte superior izquierda aparece representada la bandera americana, que podría ser un  símbolo del entusiasmo del artista hacia las grandes ciudades americanas.

Como conclusión la obra se podría considerar como un grito del artista a la desesperación y el horror que vivió en Berlín en la Primera Guerra Mundial, a través de una crítica a la sociedad que permitió que se llegara a ese extremo de catástrofe. Opino que a través del arte supo plasmar perfectamente ese sentimiento de caos apocalíptico, un profundo disgusto con la vida y muestra de su propia rebeldía que le condujo a una  fase de locura a la que se tuvo que enfrentar. Lo importante de esta obra no es la perfección técnica si no mostrar los problemas de un país.

martes, 2 de abril de 2013

MOMA "EN BUSCA DE ARTE"


El Museo de Arte Moderno de Nueva York, uno de los mejores museos de arte moderno del mundo, se inaguró en 1929 con la finalidad de ayudar al público a entender y disfrutar las artes visuales de nuestro tiempo, que no solo posee grandes obras de maestras de pintura, sino también fotografía, video, cine, escultura, arquitectura, dibujo, diseño gráfico, diseño industrial e impresos.


MoMA “En busca de Arte” es un libro en clave infantil, una experiencia visual innovadora,  divertida, creativa y educativa que a través de 
una anécdota sencilla y un  juego de palabras entre “Artemiro, Arte y Moma”, muestra un recorrido por las grandes obras del MOMA, siendo un descubrimiento artístico de un niño que busca a su amigo llamado Artemiro. Una manera diferente, original y graciosa de explicar a un niño el arte contemporáneo que se encuentra en el MOMA de un modo lúdico.

El niño pregunta a todas las personas que se encuentra por el museo ¿Ha visto a Arte?, y los personajes lo van dirigiendo hacia las obras que consideran como el mejor arte a la vez que reflexionan sobre la obra a través de adjetivos y preguntas dirigidas al niño, para incitarle en su apreciación, lo cual hace participar al lector.

De esta forma el protagonista y el lector pueden ir contemplando algunas de las obras más importantes de la historia del Arte del último siglo, tanto escultura, pintura, arquitectura, fotografías, videos, etc, de la mano de artistas como Miro, Picasso, Matisse, Klee, Gaugin, Grosz, Frida Khalo, Monet, Melies, Murnau, Munch, Van Gogh, , Gaudi, Duchamp, Gaugín. Modigliani, Warhol, etc.

El libro nos hace reflexionar sobre diferentes aspectos de las obras: su atmósfera, explosión  de color, composición, emoción,  intención del artista en el momento de su realización, etc.

Desde mi punto de vista, el libro es en sí una expresión artística que contiene obras que invitan a su reflexión. Me resulta curioso que no tenga una estructura fija como la mayoría de libros, ya que a veces aparece una obra por página, en otras ocasiones varias en la misma página o el niño interactúa con la obra como es el caso de la silla de “Verner Panton” en la que se sienta el protagonista y al que le llama la atención un guardia que le dice: “no está permitido instalarse en las obras de arte”. Esto me lleva a pensar en el debate de lo que se considera arte y de lo que no cuando hablamos de arte contemporáneo. El hacer que cada página sea diferente proporciona dinamismo y entretenimiento al libro.

El propio diseño del libro estrecho y estilizado evoca el tema del arte moderno e invita a la contemplación del mismo. Se caracteriza por el dinamismo incluso en la tipografía con diferencia de tamaños según el énfasis de las expresiones, creando un conjunto armonioso con el color de las obras de arte.

Una de las cosas que más me han gustado en referencia a lo artístico del libro, es la manera de intentar fundir las ilustraciones de los personajes con las obras de arte, como es el caso de la textura de la vestimenta de la niña que muestra “Taza, plato y cuchara”, ya que es similar a la de los objetos.

Para finalizar, remarcar que las ilustraciones de Jon Scieszka y Lane Smith se caracterizan por un estilo minimalista con una mezcla de collage , figuras con y sin contorno y acabado digital junto con  la reproducción de las obras de arte. Es una técnica interesante y sorprendente que conlleva un  proceso laborioso.